Le stuntman di Brand New Day: videogiochi, Jackie Chan e 420 fps

Questa è la parte del film di cui nessuno parla e che, tuttavia, spiega perché appare diverso dai precedenti. I combattimenti di Brand New Day sono stati realizzati con un metodo insolito, mutuato dai videogiochi e dal cinema d'azione asiatico.

Ecco come sono state concepite queste sequenze e cosa cambia sullo schermo.

Quando il videogioco entra nella sala di scrittura

Questo è l'aneddoto più rivelatore sulla realizzazione del film, e proviene proprio dal team degli stuntman.

Screenshot come riferimento

Gli stuntman giocano alle trasposizioni videoludiche del personaggio. Mentre giocavano, individuavano dei movimenti — sequenze di oscillazioni, atterraggi, schivate — di cui scattavano degli screenshot.

Queste immagini venivano poi portate alle riunioni di lavoro, con una semplice domanda: possiamo farlo per davvero?

L'attore protagonista ha fatto propria questa formula. È un'inversione interessante: per vent'anni, i giochi hanno copiato i film. Qui, il film copia il gioco.

Perché funziona

Le trasposizioni videoludiche del personaggio hanno passato un decennio a risolvere un problema che il cinema trattava male — come un corpo si muove in città aggrappandosi alle superfici, con quale inerzia, quale ritmo, quali traiettorie.

Riprendere le loro soluzioni equivale quindi a recuperare anni di ricerca. I movimenti sembrano giusti perché sono già stati validati da milioni di ore di gioco.

Avevamo dedicato un articolo all'insieme di queste trasposizioni e a ciò che hanno apportato al personaggio: tutti i videogiochi di Spider-Man.

Chi ha effettivamente coreografato questi combattimenti

Due nomi strutturano il lavoro d'azione del film, ed entrambi provengono dal cinema asiatico.

Un coordinatore proveniente da un altro film Marvel

La direzione degli stunt e la seconda unità sono state affidate a un professionista già responsabile della coreografia di un precedente lungometraggio dello studio, rinomato per i suoi combattimenti a mani nude.

Questa scelta non è neutra: orienta il film verso uno stile di combattimento leggibile, girato con inquadrature più lunghe, dove si seguono i corpi invece di subire un montaggio frammentato.

Il team di Jackie Chan

L'attore e regista ha dichiarato pubblicamente che il suo team di stuntmen è intervenuto nel film, e che ne ha curato la direzione delle scene d'azione.

È una scuola molto identificabile: coreografie precise, uso dello scenario come partner, gag fisiche integrate nel combattimento e rifiuto dell'inquadratura troppo breve. Se alcune sequenze ti sono sembrate più "leggibili" rispetto ai film precedenti, è da lì che deriva.

Cosa cambia concretamente

Un combattimento coreografato secondo questa scuola si filma in modo diverso: telecamera più arretrata, inquadrature più ampie, meno tagli. Lo spettatore vede ciò che accade invece di indovinarlo.

Questo è coerente con il resto delle scelte registiche del film, che la critica ha generalmente elogiato per la loro sobrietà.

420 fotogrammi al secondo: la limitazione che nessuno immagina

Alcuni rallentamenti del film sono stati girati a una cadenza estrema, e questo pone un problema che il pubblico non sospetta.

Cosa rappresenta questa cadenza

Un film viene girato solitamente a ventiquattro fotogrammi al secondo. A 420, si catturano quasi diciotto volte più immagini — il che permette, nella proiezione, di allungare un'azione di un secondo su quasi venti.

Tecnicamente, ciò richiede una notevole illuminazione: più la cadenza aumenta, meno luce riceve ogni immagine. Queste riprese vengono quindi effettuate sotto un'illuminazione massiccia.

Il problema della recitazione

Il regista lo ha espresso senza mezzi termini: a questa velocità, diventa quasi impossibile recitare.

La ragione è meccanica. Ogni movimento, anche minimo, viene moltiplicato. Un battito di ciglia dura un'eternità, un'espressione che si forma impiega secondi sullo schermo. L'attore deve quindi immobilizzare quasi tutto, pur mantenendo un'intenzione leggibile.

È un vincolo più da mimo che da commedia, e spiega perché queste inquadrature siano rare e brevi.

Ciò che è stato fatto nella realtà

Il film privilegia sistematicamente l'effetto reale quando è possibile, e questo si vede.

Le armi da lancio

I proiettili usati dal clan ninja sono stati lanciati per davvero, senza aggiunte digitali. È una scelta che richiede lanciatori addestrati e una sicurezza rinforzata, per un reale guadagno visivo: una traiettoria autentica non si simula perfettamente.

Dettagliamo questa fazione e il suo ruolo nel film nel nostro articolo su La Mano.

Scenografie praticabili

Le sequenze di combattimento si basano su scenografie costruite in solido — strade, banchine della metropolitana, interni. Gli stuntman lavorano quindi su superfici che reagiscono agli impatti, il che cambia il modo in cui un corpo cade e rimbalza.

Dettagliamo dove tutto ciò è stato costruito nel nostro articolo sulla decifrazione del trailer finale.

La scenografia come partner di combattimento

Questa è la firma della scuola d'azione da cui proviene la squadra: non si combatte dentro uno scenario, si combatte con esso. Un palo, una rampa, uno sportello diventano elementi di coreografia anziché ostacoli.

Questo approccio richiede scenografie solide e prevedibili, quindi costruite — il che spiega l'investimento della produzione in strade praticabili piuttosto che in fondali digitali.

Ciò che rimane digitale

Il volo in città, le grandi altezze, le scale impossibili. La regola del film è costante: ciò che accade a livello del suolo è reale, ciò che accade sopra i tetti è fabbricato.

Filmando un personaggio che non tocca quasi mai terra

Questo è il problema tecnico centrale di ogni adattamento di questo personaggio, e ogni film vi risponde in modo diverso.

Il cavo, ancora e sempre

La maggior parte dei movimenti aerei si basa su sistemi di cavi pilotati, in grado di accelerare, frenare e far ruotare un corpo lungo una traiettoria programmata. Il cavo viene poi cancellato fotogramma per fotogramma.

La difficoltà non è sollevare qualcuno, ma dargli peso. Un corpo sospeso che non subisce inerzia appare immediatamente falso, da cui l'importanza della coreografia: lo stuntman deve interpretare il vincolo che il cavo annulla.

La questione dello sguardo

La maschera sopprime ogni espressione facciale. L'attore può quindi recitare solo con il corpo — inclinazione della testa, tensione delle spalle, posizione delle mani.

Questa è una limitazione che le trasposizioni videoludiche avevano già risolto, ed è una delle ragioni per cui i loro movimenti servivano da riferimento: hanno passato anni a rendere leggibile un personaggio senza volto.

Il ritmo piuttosto che la velocità

Un errore comune è quello di accelerare per dare un'impressione di potenza. Il film fa il contrario: rallenta alcuni momenti chiave, anche filmando a cadenze estreme, per lasciare allo spettatore il tempo di registrare ciò che accade.

Un movimento compreso impressiona di più di un movimento veloce. Questo è il principio di base della scuola d'azione da cui proviene la squadra.

Le copertine dei fumetti ricreate

Un dettaglio che i lettori di lunga data hanno subito individuato.

La sequenza di apertura ricostruisce diverse copertine celebri del personaggio, inquadratura per inquadratura — pose, inquadrature, composizioni. È una dichiarazione d'intenti posta ancora prima dell'inizio della narrazione.

Il regista ha menzionato un obiettivo ancora più ambizioso per l'intero film, con un elenco che non coincide del tutto con quello identificato sullo schermo. In altre parole: ci sono probabilmente più riferimenti di quelli che il pubblico ha notato.

Ricreare una copertina è un esercizio tecnico a sé stante. Un'illustrazione consente proporzioni impossibili, punti di vista che nessuna telecamera può catturare e corpi contorti oltre il praticabile. Tradurre ciò in un live-action significa scegliere cosa mantenere — la silhouette, l'inquadratura, la luce — e cosa abbandonare.

È anche per questo che queste inquadrature durano uno o due secondi: funzionano come immagini fisse inserite nel movimento, non come sequenze.

Il nostro articolo che elenca gli easter egg e riferimenti nascosti torna in dettaglio su questi cenni.

Cosa le acrobazie dicono del personaggio

Una coreografia non è neutra. Il modo in cui un eroe combatte dice chi è, e quella di questo film è cambiata rispetto ai precedenti.

Un combattente diventato efficace

I film precedenti mostravano un giovane che improvvisava, incassava e vinceva per fortuna tanto quanto per talento. Qui, i movimenti sono precisi, economici, senza esitazioni.

Questo è coerente con il lasso di tempo che il film stabilisce: quattro anni di pratica quotidiana, da solo, producono necessariamente qualcuno di più competente. La coreografia racconta questa ellissi senza una riga di dialogo.

Una violenza che turba

Il rovescio della medaglia appare nelle sequenze in cui Peter perde il controllo. La stessa precisione diventa terrificante quando non è più contenuta, e il film ne fa un uso deliberato.

Un eroe impacciato che colpisce troppo forte provoca un incidente. Un eroe tecnicamente impeccabile che colpisce troppo forte provoca qualcos'altro — ed è questo che la regia cerca di far provare. Dettagliamo questo cambiamento nel nostro articolo sulla mutazione di Peter.

La solitudine, anche nei combattimenti

Dettaglio raramente notato: Peter non combatte mai in squadra in questo film. Nessun rinforzo, nessuna coordinazione, nessun scambio tattico. Ogni scontro è condotto da solo.

Si tratta di un vincolo coreografico che deriva direttamente dal soggetto, e che rende alcune sequenze più lunghe e più laboriose — volutamente.

Le domande che ci poniamo

Tom Holland fa le sue acrobazie?

In parte, come nei film precedenti. Gli attori in questo tipo di produzione eseguono una parte significativa dei movimenti a terra e sui cavi, ma le acrobazie più pericolose rimangono affidate a controfigure specializzate.

Le riprese sono state interrotte dopo un incidente, che documentiamo nel nostro articolo sul suo infortunio sul set — un utile promemoria che queste sequenze comportano un rischio reale.

Perché i combattimenti sembrano più leggibili?

Perché sono coreografati secondo una scuola che privilegia il piano sequenza e la durata. Meno tagli, telecamera più stabile, corpi interi nell'inquadratura: lo spettatore segue l'azione invece di ricostruirla.

Il film si ispira davvero ai videogiochi?

Sì, e questo è ammesso dal team di stuntmen. Le catture di schermo servivano come riferimento per il movimento, non come storyboard: l'idea era di riprodurre fisicamente gesti concepiti per essere giocati.

Quanto tempo richiede una sequenza di combattimento?

Settimane di preparazione per pochi minuti sullo schermo. La coreografia viene prima provata in sala, filmata sommariamente, fino alla convalida. Viene poi adattata al set reale, quindi girata in diversi giorni da più angolazioni.

Il rapporto è vertiginoso: un minuto di azione finale può rappresentare un mese di lavoro cumulativo per tutti i team coinvolti.

Gli stuntmen si infortunano spesso?

Gli incidenti gravi rimangono rari rispetto al numero di riprese, proprio perché il mestiere consiste nell'eliminare il caso. Ma il rischio non scompare mai, e queste riprese lo hanno ricordato.

Ci sono molti effetti digitali?

Tanti quanti in qualsiasi produzione di questa portata, ma distribuiti in modo diverso. Il digitale interviene soprattutto al di sopra della linea del tetto e sugli sfondi urbani, meno sui corpi e sugli scenari immediati.

Le professioni che non si vedono mai nei titoli di coda del pubblico

Una sequenza d'azione di due minuti mobilita professioni che lo spettatore non identifica, e dalle quali dipende comunque tutto il risultato.

Il coordinatore degli stuntmen

Concepisce la coreografia, sceglie le controfigure, calcola le traiettorie e convalida ogni ripresa in termini di sicurezza. È lui che traduce un'intenzione registica in gesti eseguibili senza ferire nessuno.

In questo film, questa funzione è cumulativa con quella di regista di seconda unità — il team che gira i piani d'azione mentre il primo filma le scene di dialogo. Questo cumulo conferisce una rara coerenza tra ciò che è concepito e ciò che è filmato.

I riggers

Sono loro che installano e controllano i sistemi di cavi. Il loro lavoro è invisibile per definizione: se si vede, significa che hanno fallito. Un movimento aereo credibile dipende tanto dalla loro calibrazione quanto dalla performance dello stuntman.

Le controfigure specializzate

Diverse persone possono sostituire lo stesso attore a seconda del tipo di acrobazia — caduta, combattimento, spostamento aereo. Ciascuno apporta una specialità, e il montaggio assembla questi frammenti in una performance unica.

È anche questo che spiega perché un attore possa "fare le sue acrobazie" pur essendo sostituito: entrambe le affermazioni sono vere, applicate a scene diverse.

Cosa ricordare

Stuntmen che giocano ai videogiochi e riportano screenshot, una squadra d'azione proveniente dal cinema asiatico, rallentatori a 420 fotogrammi al secondo dove l'attore quasi non riesce più a recitare, e armi da lancio scagliate per davvero.

Non si tratta di un aneddoto da dietro le quinte. È ciò che spiega la sensazione particolare del film: si vedono corpi che si muovono secondo regole coerenti, in scenari che esistono, filmati abbastanza ampiamente da far capire cosa sta succedendo. Molte produzioni comparabili fanno l'opposto.

Resta il più divertente capovolgimento di tutta questa storia. Per vent'anni, gli adattamenti videoludici hanno cercato di assomigliare ai film. Ci hanno messo così tanto impegno da risolvere problemi che il cinema non aveva mai trattato bene — come si muove quel corpo, con quale inerzia, secondo quali traiettorie. Oggi, è il film a prendere screenshot dal gioco per sapere come dovrebbe apparire Spider-Man in movimento. L'allievo è diventato il riferimento, e il risultato si vede sullo schermo.