Le stuntman di Brand New Day: videogiochi, Jackie Chan e 420 fps

È la parte del film di cui nessuno parla e che, tuttavia, spiega perché appare diverso dai precedenti. I combattimenti di Brand New Day sono stati realizzati con un metodo insolito, mutuato dai videogiochi e dal cinema d'azione asiatico.

Ecco come sono state concepite queste sequenze e cosa cambia sullo schermo.

Quando il videogioco entra in sala scrittura

È l'aneddoto più rivelatore della realizzazione del film, e viene dalla squadra di stuntman stessa.

Screenshot come riferimento

Gli stuntman giocano agli adattamenti videoludici del personaggio. Giocando, individuavano movimenti — sequenze di oscillazioni, atterraggi, schivate — di cui scattavano screenshot.

Queste immagini venivano poi portate alle riunioni di lavoro, con una semplice domanda: possiamo farlo nella realtà?

L'attore principale ha adottato questa formula. È un ribaltamento interessante: per vent'anni, i giochi hanno copiato i film. Qui, il film copia il gioco.

Perché funziona

Gli adattamenti videoludici del personaggio hanno passato un decennio a risolvere un problema che il cinema trattava male — come un corpo si muove in città aggrappandosi a superfici, con quale inerzia, quale ritmo, quali traiettorie.

Riprendere le loro soluzioni significa quindi recuperare anni di ricerca. I movimenti sembrano giusti perché sono già stati validati da milioni di ore di gioco.

Avevamo dedicato un articolo a tutte queste adattamenti e a ciò che hanno apportato al personaggio: tutti i videogiochi di Spider-Man.

Chi ha realmente coreografato questi combattimenti

Due nomi strutturano il lavoro d'azione del film, ed entrambi provengono dal cinema asiatico.

Un coordinatore venuto da un altro film Marvel

La direzione degli stunt e la seconda unità sono state affidate a un professionista già responsabile della coreografia di un precedente lungometraggio dello studio, rinomato per i suoi combattimenti a mani nude.

Questa scelta non è neutra: orienta il film verso uno stile di combattimento leggibile, filmato con inquadrature più lunghe, dove si seguono i corpi piuttosto che subire un montaggio frammentato.

La squadra di Jackie Chan

L'attore e regista ha dichiarato pubblicamente che la sua squadra di stuntman è intervenuta sul film, e che ne ha assicurato la direzione d'azione.

È una scuola molto riconoscibile: coreografia precisa, uso della scenografia come partner, gag fisiche integrate nel combattimento e rifiuto di inquadrature troppo brevi. Se alcune sequenze vi sono sembrate più "leggibili" che nei film precedenti, è da qui che deriva.

Cosa cambia concretamente

Un combattimento coreografato in questa scuola si filma in modo diverso: telecamera più arretrata, inquadrature più ampie, meno tagli. Lo spettatore vede ciò che accade invece di doverlo indovinare.

Questo è coerente con il resto delle scelte di messa in scena del film, che la critica ha generalmente elogiato per la loro sobrietà.

420 fotogrammi al secondo: il vincolo che nessuno immagina

Alcuni rallentamenti del film sono stati girati a una cadenza estrema, e questo pone un problema che il pubblico non sospetta.

Cosa rappresenta questa cadenza

Un film viene girato solitamente a ventiquattro fotogrammi al secondo. A 420, si catturano quasi diciotto volte più immagini — il che permette, nella proiezione, di estendere un'azione di un secondo a quasi venti.

Tecnicamente, ciò richiede una luce considerevole: più la cadenza aumenta, meno ogni immagine riceve luce. Queste riprese vengono quindi effettuate con un'illuminazione massiccia.

Il problema della recitazione

Il regista lo ha espresso senza mezzi termini: a questa cadenza, diventa quasi impossibile recitare.

Il motivo è meccanico. Ogni movimento, anche minimo, viene amplificato. Un battito di ciglia dura un'eternità, un'espressione che si forma richiede secondi sullo schermo. L'attore deve quindi immobilizzare quasi tutto, pur mantenendo un'intenzione leggibile.

È un vincolo più da mimo che da commedia, e questo spiega perché queste inquadrature siano rare e brevi.

Ciò che è stato fatto nella realtà

Il film predilige sistematicamente l'effetto reale quando possibile, e si vede.

Le armi da lancio

I proiettili usati dal clan dei ninja sono stati lanciati per davvero, senza aggiunte digitali. È una scelta che richiede lanciatori addestrati e una sicurezza rafforzata, per un reale guadagno visivo: una traiettoria autentica non si simula perfettamente.

Dettagliamo questa fazione e il suo ruolo nel film nel nostro articolo su La Mano.

Scenografie praticabili

Le sequenze di combattimento si basano su scenografie costruite in modo solido — strade, banchine della metropolitana, interni. Gli stuntman lavorano quindi su superfici che reagiscono agli impatti, il che cambia il modo in cui un corpo cade e rimbalza.

Dettagliamo dove tutto questo è stato costruito nel nostro articolo sulla decodifica del trailer finale.

La scenografia come partner di combattimento

È la firma della scuola d'azione da cui proviene la squadra: non si combatte in una scenografia, si combatte con essa. Un palo, una rampa, una portiera diventano elementi di coreografia piuttosto che ostacoli.

Questo approccio richiede scenografie solide e prevedibili, quindi costruite — il che spiega l'investimento della produzione in strade praticabili piuttosto che in fondali digitali.

Ciò che rimane digitale

Il volo in città, le grandi altezze, le scale impossibili. La regola del film è costante: ciò che accade a livello del suolo è reale, ciò che accade sopra i tetti è fabbricato.

Filmando un personaggio che non tocca quasi mai terra

Questo è il problema tecnico centrale di ogni adattamento di questo personaggio, e ogni film lo affronta in modo diverso.

Il cavo, sempre e comunque

La maggior parte dei movimenti aerei si basa su sistemi di cavi pilotati, in grado di accelerare, frenare e far ruotare un corpo secondo una traiettoria programmata. Il cavo viene poi eliminato fotogramma per fotogramma.

La difficoltà non è sollevare qualcuno, è dargli peso. Un corpo sospeso che non subisce inerzia appare immediatamente falso, da qui l'importanza della coreografia: lo stuntman deve interpretare il vincolo che il cavo annulla.

La questione dello sguardo

La maschera elimina ogni espressione facciale. L'attore può quindi recitare solo con il corpo — inclinazione della testa, tensione delle spalle, posizione delle mani.

È un vincolo che gli adattamenti videoludici avevano già risolto, ed è una delle ragioni per cui i loro movimenti servivano da riferimento: hanno passato anni a rendere leggibile un personaggio senza volto.

Il ritmo piuttosto che la velocità

Un errore frequente è accelerare per dare un'impressione di potenza. Il film fa il contrario: rallenta alcuni momenti chiave, anche girando a cadenze estreme, per permettere allo spettatore di registrare ciò che accade.

Un movimento compreso impressiona di più di un movimento rapido. Questo è il principio di base della scuola d'azione da cui proviene la squadra.

Le copertine dei fumetti ricreate

Un dettaglio che i lettori di lunga data hanno subito notato.

La sequenza di apertura ricostruisce diverse copertine celebri del personaggio, inquadratura per inquadratura — pose, inquadrature, composizioni. È una dichiarazione d'intenti posta ancor prima dell'inizio della narrazione.

Il regista ha menzionato un obiettivo ancora più ambizioso per l'intero film, con una lista che non coincide interamente con quella che si identifica sullo schermo. In altre parole: probabilmente ci sono più riferimenti di quelli che il pubblico ha rilevato.

Ricreare una copertina è un esercizio tecnico a sé stante. Un'illustrazione consente proporzioni impossibili, punti di vista che nessuna telecamera può catturare e corpi contorti oltre il praticabile. Tradurre questo in riprese dal vero implica scegliere cosa mantenere — la silhouette, l'inquadratura, la luce — e cosa abbandonare.

È anche per questo motivo che queste inquadrature durano uno o due secondi: funzionano come immagini fisse inserite nel movimento, non come sequenze.

Il nostro articolo che elenca gli easter egg e i riferimenti nascosti approfondisce questi accenni.

Cosa le acrobazie rivelano del personaggio

Una coreografia non è neutra. Il modo in cui un eroe combatte dice chi è, e quella di questo film è cambiata rispetto ai precedenti.

Un combattente diventato efficace

I film precedenti mostravano un giovane che improvvisava, incassava e vinceva per fortuna tanto quanto per talento. Qui, i movimenti sono netti, economici, senza esitazione.

Questo è coerente con il divario temporale che il film stabilisce: quattro anni di pratica quotidiana, da solo, producono necessariamente qualcuno di più competente. La coreografia racconta questa ellisse senza una riga di dialogo.

Una violenza che disturba

Il rovescio della medaglia appare nelle sequenze in cui Peter perde il controllo. La stessa precisione diventa spaventosa non appena non è più trattenuta, e il film la usa deliberatamente.

Un eroe maldestro che colpisce troppo forte provoca un incidente. Un eroe tecnicamente impeccabile che colpisce troppo forte provoca qualcos'altro — ed è ciò che la regia cerca di far provare. Dettagliamo questo cambiamento nel nostro articolo sulla mutazione di Peter.

La solitudine, anche nei combattimenti

Un dettaglio raramente notato: Peter non combatte mai in squadra in questo film. Nessun rinforzo, nessuna coordinazione, nessun scambio tattico. Ogni scontro è condotto da solo.

Si tratta di un vincolo coreografico che deriva direttamente dal soggetto, e rende alcune sequenze più lunghe e più laboriose — volutamente.

Le domande che ci si pone

Tom Holland fa le sue acrobazie?

In parte, come nei film precedenti. Gli attori di questo tipo di produzione eseguono una parte significativa dei movimenti a terra e sui cavi, ma le acrobazie più pericolose sono affidate a controfigure specializzate.

Le riprese sono state interrotte dopo un incidente, che documentiamo nel nostro articolo sul suo infortunio sul set — un utile promemoria che queste sequenze comportano un rischio reale.

Perché i combattimenti sembrano più leggibili?

Perché sono coreografati secondo una scuola che privilegia il piano sequenza e la durata. Meno tagli, telecamera più stabile, corpi interi nell'inquadratura: lo spettatore segue l'azione invece di ricostruirla.

Il film prende davvero spunto dai videogiochi?

Sì, e questo è ammesso dalla squadra di stunt. Gli screenshot servivano come riferimento di movimento, non come storyboard: l'idea era di riprodurre fisicamente gesti concepiti per essere giocati.

Quanto tempo richiede una sequenza di combattimento?

Settimane di preparazione per pochi minuti sullo schermo. La coreografia viene prima provata in sala, filmata sommariamente, fino alla convalida. Viene poi adattata al set reale, e poi girata per diversi giorni da angolazioni multiple.

Il rapporto è vertiginoso: un minuto di azione finale può rappresentare un mese di lavoro cumulativo per tutte le squadre coinvolte.

Gli stuntman si infortunano spesso?

Gli incidenti gravi rimangono rari rispetto al numero di riprese, proprio perché il mestiere consiste nell'eliminare il caso. Ma il rischio non scompare mai, e questa ripresa lo ha ricordato.

Ci sono molti effetti digitali?

Tanto quanto in qualsiasi produzione di questa portata, ma distribuiti in modo diverso. Il digitale interviene soprattutto al di sopra della linea del tetto e sugli sfondi urbani, meno sui corpi e sugli arredi immediati.

I mestieri che non si vedono mai nei crediti del pubblico

Una sequenza d'azione di due minuti mobilita corpi di mestiere che lo spettatore non identifica, e dai quali dipende comunque tutto il risultato.

Il coordinatore degli stunt

Progetta la coreografia, sceglie le controfigure, calcola le traiettorie e convalida ogni ripresa sul piano della sicurezza. È lui che traduce un'intenzione di messa in scena in gesti eseguibili senza ferire nessuno.

In questo film, questa funzione è combinata con quella di regista della seconda unità — la squadra che gira i piani d'azione mentre la prima filma le scene di dialogo. Questa combinazione offre una rara coerenza tra ciò che è concepito e ciò che è filmato.

I riggers

Sono loro che installano e azionano i sistemi di cavi. Il loro lavoro è invisibile per definizione: se si vede, significa che hanno fallito. Un movimento aereo credibile dipende tanto dalla loro calibrazione quanto dalla performance dello stuntman.

Le controfigure specializzate

Diverse persone diverse possono raddoppiare lo stesso attore a seconda del tipo di acrobazia — caduta, combattimento, spostamento aereo. Ognuno apporta una specialità, e il montaggio assembla questi frammenti in una performance unica.

Questo spiega anche perché un attore possa "fare le sue acrobazie" pur essendo doppiato: le due affermazioni sono vere, applicate a scene diverse.

Cosa ricordare

Stuntman che giocano ai videogiochi e riportano screenshot, una squadra d'azione proveniente dal cinema asiatico, rallentamenti a 420 fotogrammi al secondo dove l'attore non può quasi più recitare, e armi da lancio scagliate per davvero.

Questa non è un'aneddoto del making-of. È ciò che spiega la sensazione particolare del film: si vedono corpi che si muovono secondo regole coerenti, in scenografie che esistono, ripresi abbastanza ampiamente da far capire cosa stia succedendo. Molte produzioni comparabili fanno l'opposto.

Resta il capovolgimento più divertente di tutta questa storia. Per vent'anni, gli adattamenti videoludici hanno cercato di assomigliare ai film. Ci hanno messo così tanto impegno che alla fine hanno risolto problemi che il cinema non aveva mai affrontato bene — come si muove questo corpo, con quale inerzia, secondo quali traiettorie. Oggi, è il film che prende screenshot dal gioco per sapere come deve apparire Spider-Man in movimento. L'allievo è diventato il riferimento, e il risultato si vede sullo schermo.